Como el verso de Quevedo, aunque en aquel caso era su amor el que tendría sentido, pretendo que en este blog todo tenga sentido: mis palabras, tus palabras, nuestras palabras.
Ya que esa es la característica principal del ser humano, vamos a comunicarnos, a investigar y a deleitarnos con nuestra materia de Lengua castellana y Literatura.
Aquí, aunque las palabras vuelen con el viento y desaparezcan, ¡tendrán sentido!
For me, it's very difficult to choose a book that has impressed me, because many of them have got this effect on me, so I've decided to talk about the books I'm reading now.
As time passes by, I've acustommed myself to reading several books of different genres sharing my time and apettite among them.
Right now, I'm reading "The Watchmen", a comic book that my collegue Max has lent me. I watched the film several years ago and it interested me a lot. Afterwards, I've read a book of Andres Ibáñez and one of the characters of Watchmen appeared, Dr. Manhattan, so it pushed me to read the comic.
The second book I'm reading is an Antology of Gloria Fuertes' poems. I'm used to reading poetry when I'm reading other books. I could say that I try to read poetry every day, as a custom. It´s very interesting, delicated and naïve, but also, it discovers Gloria's world too. I've just started.
The last, but not least book is Voices from Chernobyl by Svetlana Alexievich. It has surprised me enormously. Alexievich has "the honour" of being the fifth woman who has won the Nobel prize. What a shame! Besides, she is a journalist, so this book and her other four books, written over the last 30 years, are not usual novels. She calls them "novel of voices" and so they are. Normal people who have been involved in a Historical moment talk to the journalist their vivid testimonies.
In this book there is no plot, because you don't need it. You will perfectly know the begining and the end of Chernobyl. Nevertheless, I've been trapped by the "voices" of these normal people and, at the same time, I have to leave the book several times because I needed to breath because it's so hard.
For me, the most engaging thing has been to discover the truth from the main characters of this horrible accident. Even though their truth is dark, chaotic, fascinating... Svetlana Alexievich tries to show this to us poetically, but without intervention. The words are exactly what these people told her when she had been interviewing. That's the reason why it has shocked me.
Este año, en Nivel II, releemos la obra de Las bicicletas son para el verano de Fernando Fernán Gómez, además de ver la película y relacionar ambas.
Es la última lectura que tenemos en este trimestre y curso y aquí os enlazo con una de mis entradas antiguas, precisamente en la que se dan claves para entender la obra y su relación con la película.
Cartel de la representación teatral del CDN en 2003
Recogiendo el guante que lancé en la segunda presentación de la entrada anterior, el mejor homenaje a un autor es leer sus obras. Y como este año no solo se celebra el IV Centenario de la muerte de Cervantes, me gustaría recordar a alguien más.
Antonio Buero Vallejo, este autor maravilloso - que me apasiona por su sinceridad y estilo directo -, cumpliría cien años en 2016. Es, por tanto, su aniversario, por lo que me planteé, a principio de curso, rendirle el homenaje de leer su obra Historia de una escalera. La primera que le dio a conocer, la que impactó a la crítica y al público de 1949. La que nos sigue impactando hoy en día. En este enlace podéis ver una entrevista realizada en 1981 por el historiador Javier Tusell.
Sin embargo, el propio autor llegó a cansarse de ella, a decir que la detestaba y que era una obra inaguantable. No obstante, como comenta Virtudes Serrano en la edición de Austral - por mucho que le pesara a Buero -, "La pieza es pionera en el panorama del drama español de la época, ya que, en el momento de su estreno, la presencia del grupo social en el teatro daba lugar a situaciones melodramáticas, cómicas o grotescas, pero no se planteaba con ello una revisión seria y problemática de la vida de las clases populares". Con esto, quiere decir que fue trascendental para la renovación del teatro español de posguerra. En este enlace del blog aprendamosteatro, podéis ver un resumen de este periodo. Y, en este otro enlace, hay una presentación de Belén Otero, sacada del mismo blog.
Lo más atractivo de Historia de una escalera es la naturalidad con la que se presenta. Todo lo entendemos, incluso lo reconocemos, como sacado de lugares que nos son cercanos. La obra muestra una relación "atemporal" - aunque el tiempo se sitúa entre 1916 y 1947 - de varias familias de vecinos de una miserable escalera. Sus sueños, sus anhelos, sus deseos de avanzar en la vida son aplastados por su falta de acción y de progreso y vemos cómo la historia se repite, sin que los personajes puedan - o quieran- hacer nada por evitarlo.
Lo más destacado de la obra, para la época, radica en la sugerencia del autor al espectador de que reaccione, tras esta tragedia clásica. La situación del conflicto teatral se identifica con una catarsis liberadora y, tras ella, Buero Vallejo "nos pide" despertar, reflexionar. Después de ver cómo se desarrollan las vidas de los personajes de esa escalera durante treinta años, nos advierte para que modifiquemos el curso de las nuestras. Si lo consideramos.
Los personajes que nos presenta están frustrados de principio a fin. El desenlace del tercer acto - que tiene como premonición la caída del cántaro de leche del primero - es una explosión de toda esa frustración acumulada en las vidas conformistas de Fernando, Urbano, Elvira y Carmina, pero que provenía de las de sus padres, y que continuará en las de sus hijos. El eterno retorno se manifiesta claramente en escena.
Así pues, presenciamos unos personajes individuales que, en realidad, representan a un personaje colectivo que, introducido inteligentemente como un sainete, nos lleva a la concepción clásica de tragedia griega y a sentir su catarsis, como hemos dicho más arriba. Sin embargo, la intención de Buero es positiva, esperanzada. Con sus obras, con esta en concreto, pretende abrirnos una puerta a la transformación, a la mejora, a la esperanza. Porque, según dice, "los hombres no son necesariamente víctimas pasivas de la fatalidad". Buero cree en el hombre y en su capacidad de cambio. Tiene esperanzas.
Mis alumnos han visto en clase un documental elaborado por el Centro de Documentación Teatral, que pertenece a la serie "Teatro para ti" sobre Historia de una escalera. Es magnífico para contextualizarlo y dejar con la miel en los labios. Espero que sigan con las demás obras que tienen previsto realizar. Este documental tiene fragmentos de la representación del Centro Dramático Nacional del año 2003, de la que tenéis el cartel más arriba.
Yo asistí a aquella representación y me pareció excelente en ese momento. Sin embargo, me sorprendió que, el día que asistimos, en el último momento de ella, justo cuando Fernando (padre) y Carmina (madre) son conscientes de ese "eterno retorno", de esa tragedia griega, parte del público se rio. Y yo no comprendía por qué. A mí me había tocado tan hondo la seriedad de la obra, que me parecía inquietante que algunos de los espectadores se lo tomaran a risa. Quizá lo vieran como ese "sainete " del que disfrazó Buero a esta tragedia. Aquí os dejo el documental.
De Buero Vallejo hay tanto, que podríamos hacer un blog solo de su teatro y su vida. Pero me ha parecido interesante un programa de "La mitad invisible", que presentaba Juan Carlos Ortega, y que dedicó a Historia de una escalera en 2014. Este enlace os lleva a él.
Una de las afirmaciones de Buero Vallejo con las que más estoy de acuerdo, y que os dejo, es la que escribió ante el estreno de Historia de una escalera en 1950:
"La fuerza del teatro está en las pasiones y en la vida
La primera edición del "QuijORTE. El periódico del CEPA Sierra Norte" ha conseguido publicarse en el Proyecto colaborativo "Quijote News". Este es el enlace.
Después de mes y medio de duro trabajo en las aulas, y de los alumnos de Secundaria (y docentes) en sus casas, hemos conseguido ensamblar todas las partes del periódico que nos propusimos.
En él, encontraréis distintos géneros periodísticos, elaborados con capítulos de la segunda parte del Quijote de Cervantes. En este particular "ensemble", han participado siete profesores y 23 alumnos de Secundaria del CEPA Sierra Norte de Torrelaguna.
La situación social, política y económica de la época también ha sido muy trabajada y elaborada por la profesora Rosaura Perela y los alumnos de Secundaria. Los géneros periodísticos, la lectura de los textos del Quijote y las explicaciones pertinentes sobre Cervantes y su biografía han corrido a cargo de las profesoras Elena Boschmonar y yo misma, Isabel Redondo.
La parte técnica ha corrido a cargo, principalmente, del profesor Luis Alonso y de Raquel Gil y Diego Redondo. Y el toque "british" se lo ha dado Lidia Hidalgo.
Estamos muy orgullosos del trabajo logrado por los alumnos y por el resultado final. Ha costado lo suyo, y siempre podría mejorarse, pero estamos contentos. Echadle un vistazo.
Enhorabuena, chicos, sin vosotros, no hubiéramos sido capaces de lograrlo.
Los santos inocentes fue publicado por Miguel Delibes en 1981 (aquí tenéis un enlace con Wikipedia). Tuvo un gran éxito y su adaptación cinematográfica, por Mario Camus, se hizo tres años después, en 1984. Una película tan desgarradora e impactante como la novela, así como su cartel. En esta entradilla de "Versión española" nos hacen una introducción. Es una historia, tanto la escrita como la filmada, maravillosa, impactante y dura, muy dura. De una dureza que te impresiona. Pero tan cercana...
En este relato, Delibes nos muestra la situación de extrema pobreza y sumisión, casi de anulación, de un grupo de campesinos en un cortijo extremeño en los años 60. La vida de supervivencia que viven la familia protagonista de Régula y Paco, el Bajo, nos parecen de tiempos muy anteriores - como de antes de la Guerra Civil - donde imperaba el mandato de los "señoritos" y la pena capital que cumplían, de por vida, personajes (personas de carne y hueso), que habían nacido en una situación casi de la Prehistoria. Personas que todos hemos conocido e, incluso, podríamos reconocer en nuestras familias.
El analfabetismo, la falta de oportunidades, la pobreza extrema, el maltrato físico y verbal, las responsabilidades familiares, las discapacidades de ciertos personajes...nos acercan al Naturalismo del siglo XIX de Emile Zola. Denuncian una situación muy cercana en el tiempo que se recrudece y justifica por la Guerra Civil española y la dictadura franquista de los años 60.
La cosificación y animalización - inolvidable la escena de la película en que Alfredo Landa (Paco, el Bajo) olfatea como un perro el suelo en busca de la perdiz - a la que son sometidos los trabajadores del cortijo de la señora marquesa, justifica esa situación de "jerarquía" que reclama el señorito Iván a Quirce. Tras contárselo al ministro, muestra su incomodidad al percibir que los tiempos cambian y eso significa que esa "jerarquía" cambiará.
La tristeza y conformismo están unidas aquí. Parece parado el tiempo para algunos personajes como Régula, Paco, Azarías o la niña chica. Sin embargo, Nieves, Quirce y Rogelio tienen otro espíritu. Y sus padres, a pesar de la pena que les traerá el "abandono" no deseado de sus hijos para conseguir "ser alguien" y "salir de pobres", saben que pasa por dos cosas: ir a la escuela y dejar el cortijo.
Es memorable el final de la novela. Como también lo son las interpretaciones de casi todos los actores de la película de Mario Camus: Alfredo Landa, como Paco; Terele Pávez, como Régula; Paco Rabal, con la impresionante interpretación de Azarías ("Milana, bonita"); y Juan Diego, como el cruel señorito Iván. Según dicen, en la proyección de la película en los cines, los espectadores aplaudían a rabiar en el desenlace final de la proyección. Casi como en la novela. Leedla. Disfrutadla. Desgarraos el alma; porque es como os vais a quedar.
En este último enlace hay un estudio muy amplio de la novela y su autor.
Durante la primera evaluación hemos leído Lazarillo de Tormes y Los Pazos de Ulloaen Nivel II. Explicación ampliada sobre la primera la tenéis en este enlace publicado en este mismo blog.
Respecto a la segunda, Los Pazos de Ulloa de Emilia Pardo Bazán, nos disponemos ahora a profundizar en ella. Todo lo que hay que decir sobre esta novela realista-naturalista es que sorprende la maravillosa capacidad para conectarte con la historia que cuenta, aunque ya se conozca.
La historia "engancha" desde el primer momento. Desde que Julián, ese curita tan delicado que no encajará en la brutalidad ancestral de los Pazos, nos lleva a través de las barbaridades que se producen en las profundidades de la Galicia del siglo XIX, en tierras de un noble - que no es tal - y venido a menos. Desde el primer momento, la brutal cotidianeidad de la vida en los Pazos nos da un bofetón en la cara al contemplar, junto a Julián, la locura de emborrachar al pobre Perucho. Y más duro es aún cuando nos enteramos por Sabel, la criada-amancebada de don Pedro de Moscoso, que el niño - hijo suyo- ha sido emborrachado por su propio abuelo, el bárbaro de Primitivo. Muy acertada la elección de doña Emilia al elegir el nombre.
El ambiente que presenta la decadencia de la sociedad de la época en plena Galicia está muy conseguido. La familia de los Limioso, las primas santiaguesas de La Lage, la política decimonónica, el control absoluto de criados avariciosos con una red entretejida que te envuelve, los pucherazos en las votaciones, las despreocupación de los señoritos; la descomposición de las posesiones, los pazos, las tierras, por delegar las funciones en personajes como Primitivo, y centrarse en el único oficio de la caza. Todo ello está maravillosamente contado.
Por otra parte, y frente a una realidad dolorosa y brusca, como la de los Pazos, la relación entre Julián y Nucha parece salida de algo irreal. Muestran una delicadeza y debilidad extrema, que contrasta con la brutalidad que les rodea. Muestra de ella es el "ama" de cría que traen para alimentar a Manolita. Una mole de carne, un ubre con patas. El desprecio de don Pedro Moscoso hacia su mujer por haber dado a luz una niña y decirle que por su culpa "así se ve sin sucesión la casa de los Moscoso", junto con la confirmación de la convivencia con la amante en la misma casa, acaban con la paciencia y los nervios de Nucha. Es un personaje que vemos cómo se va deshaciendo ante nuestros ojos, cómo enloquece, se debilita, se obsesiona por su hijita, maltrata al hermanastro, Perucho, pagando con él la infidelidad de su esposo. Una mujer que se conformaba, en principio, con ingresar en un convento, acaba en las profundidades de una Galicia rural, que la engulle hasta que acaba con ella.
Los odios ancestrales aparecen sin comedimiento. Las almas de los caciques despreciables, da igual quién sea, los une en un mismo objetivo. La decisión de expulsar a Julián del Pazo de Ulloa, tras una maniobra de Primitivo en la que Perucho tiene mucho que ver, nos muestra a un ser con firmeza dentro de su debilidad. El intento de ayuda a Nucha para huir de los Pazos se tratará como un adulterio y el sacerdote se marchará pasando al lado del cadáver de Primitivo.
En fin, un gusto.
Televisión Española la rodó en cuatro capítulos que están disponibles en este enlace. Además, en la misma página hay distintas entrevistas con Gonzalo Suárez, el director, la presentación de la serie en Galicia y cómo se rodó. Muy recomendables.
A continuación, os dejo el resumen de la obra y algo más con esta presentación de Prezi bastante sencilla.
El resumen más directo de La casa de Bernarda Alba de Federico García Lorca es su propio subtítulo. El que el autor le asignó. "Drama de mujeres en los pueblos de España". Ni más, ni menos. Si profundizáramos un poco más, diríamos que es un drama que lleva a tragedia. Pero una tragedia que se masca en el ambiente opresivo de la casa casi desde el principio. Una tragedia que no tenía mas que salir de alguna forma, porque está retenida entre las paredes de la casa, en los pechos de las mujeres que la habitan y en el bastón de mando de la propia Bernarda.
En este enlace podéis leer el libro. Federico García Lorca la terminó de escribir poco antes de que morir fusilado al comienzo de la Guerra Civil española, en 1936, pero no se publicó hasta 1945. Un buen análisis de la obra lo tenéis aquí, en Wikipedia.
Lorca, en buena parte de su producción teatral, vemos que dedica sus preocupaciones a las mujeres, a las que considera seres marginados por la sociedad, apartados y menospreciados. En sus tres grandes tragedias Yerma, Bodas de sangre y La casa de Bernarda Alba, además pesa mucho la sociedad del momento, que se acentúa más en un pueblo pequeño de la España profunda. Una sociedad controlada y condicionada por la apariencias, la religión, el qué dirán y la supremacía y violencia del hombre, del macho. Todo esto, en la obra se ve reflejado de forma clarísima. A nadie le queda duda de que a Bernarda le preocupa mucho más la imagen que da su familia a sus vecinos y al pueblo, al que desprecia, que pensar en la felicidad de sus hijas o en la suya propia. De hecho, la niega. Cuando Poncia le sugiere que debería haberse marchado de ese pueblo a otro más grande, Bernarda, aun odiando su pueblo, rechaza la propuesta.
Las mujeres de esta obra son seres conformistas, en parte, pero también, obligadas, por su condición de ser mujer, a satisfacer esas convenciones sociales en las que, como en una ocasión dice Amelia, se les perdona todo a los hombres. Lorca incide en esa situación de víctima de la situación social en la que viven las mujeres. En otra ocasión, dirán "nacer mujer es el mayor castigo".
La única que se rebelará contra esta situación opresora de pasar los 8 años encerradas en casa guardando luto por la muerte del padre, será Adela. La que busca el amor de Pepe, el Romano; su futuro cuñado, interesado por el dinero de su hermana Angustias, que le saca 14 años. Adela se entregará al placer carnal como liberación al encierro que sufre en su propia casa y por su propia madre. Y, sin embargo, ni siquiera ella conseguirá cambiar nada. Porque para poder "liberarse" algo debe pasar a los lugares casi marginales de la sociedad. Debe pasar a ser la "querida" de un hombre casado que estará con ella cuando él quiera. Así se lo dice Adela a Martirio al final de la obra. Y la única liberación final será su suicidio.
Pero, ¿de verdad se libera?
En este blog tenéis un análisis muy completo de la obra, el autor, los personajes de la misma, el contenido social, etc. Merece la pena que le echéis un vistazo.
Y, por último, y ya que la hemos visto en clase, os dejo la película de Mario Camus. Desde mi punto de vista no tiene tanta fuerza como ver la obra en un teatro y creo que no fue adecuada la elección de Bernarda. Julia Gutiérrez Caba es una gran actriz, pero no le va el papel duro, dictatorial y un poco masculino de Bernarda Alba. También hay otros personajes poco dibujados y no muy creíbles, pero es muy fiel al texto.
Zalacaín el aventurero de Pío Baroja fue publicada en 1908 y forma parte, como la mayoría de las novelas escritas por Baroja, de una trilogía. En esta ocasión, la trilogía se llama "Tierra vasca". En ella, el novelista de la Generación del 98, narra las aventuras de Martín Zalacaín, un joven emprendedor y valiente hasta el final de su vida a los 24 años.
Pío Baroja es uno de los mejores novelistas que hemos tenido en la Literatura española y consideraba que la novela - aparte de ser "un cajón de sastre donde cabe todo", que es lo que se suele decir de Baroja - debía servir para entretener al lector y reflejar la realidad.
Por otra parte, en Zalacaín - como en otras, como Shanti Andía -, Baroja refleja lo que siempre quiso ser: un hombre de acción. Baroja era extremadamente individualista, tímido y escéptico. No creía en el ser humano. Se le ha tachado muchas veces de misógino, aunque bien podríamos decir que abarca la misantropía en su totalidad. Cuando se le tildaba de anarquista, lo rechazaba y se definía a sí mismo como:
" Soy un individualista rabioso, soy un rebelde; la sociedad me parece defectuosa, porque no me permite desarrollar mis energías".
Por estas razones, busca en personajes como Zalacaín el desarrollo de una parte de su ser que nunca experimentó: las aventuras.
La historia está contada como si se tratase de una novela picaresca barroca y es muy entretenida. De hecho, los títulos son similares: "Capítulo II. Donde se habla del viejo cínico Miguel de Tellagorri", "Capítulo III. De algunos hombres decididos que formaban la partida del cura"... Su acción está situada en la Tercera Guerra Carlista y es vertiginosa.
Lo más destacado y envidiable de Zalacaín es que vive su vida con total libertad. No se forma en el colegio, ni con nadie que le enseñe a vivir, salvo su tío abuelo Tellagorri - aquel cuya teoría más "social" era decir que "cada cual que conserve lo que tenga y robe lo que pueda". Martín conocerá a distintos personajes, pero mantendrá su individualismo y liderazgo a ultranza. La seguridad del protagonista resulta a veces ofensiva y parece que roza
la prepotencia. Sin embargo, su vida de héroe se complementará con su
final, también heroico.
La lucha sin cuartel con Carlos Ohando se salda con la demostración de cobardía de este, tras haber leído páginas y páginas de la demostración de valentía de Martín. Sus heroicidades calan en todos los personajes que le rodean. También en Carlos; solo que, en ese caso, aumentarán sus envidias, odios y celos.
Su cuñado, Bautista Urbide, actúa como un perfecto deuteragonista. Así como el papel que desempeña el periodista extranjero. Sin embargo, el papel de las tres mujeres que amaron a Martín está desdibujado. A Baroja no le interesaban especialmente los papeles femeninos, salvo para mostrar la gallardía de su héroe.
Para entender mejor la obra, os recomiendo vivamente esta página. En ella, encontraréis explicaciones sobre el autor, Pío Baroja, e información muy interesante antes de leer el libro. Pero lo mejor está en las pestañas "Comprensión" y "Después de leer". En ellas hay actividades interactivas con las que podréis comprobar si habéis entendido bien las aventuras de Zalacaín.
Hay varias películas de "Zalacaín el aventurero". En la de 1955 de Juan de Orduña, hace una breve participación el propio Pío Baroja. Baroja introduce lo que resulta el final en el libro, "Las tres rosas del cementerio de Zaro".
Un momento muy emotivo en el libro y la película es el de la muerte de Tellagorri. Aquí tenéis ese momento.
Curiosa resulta esta versión de "Martín Zalacaín" que hizo el grupo de punk-rock de Parla "Deklarados Kulpables". Está cantado en vasco e inspirada en el libro de Pío Baroja. Espero que hayáis difrutado todos: libro, fragmento de películas y canción.
Las bicicletas son para el verano es una obra de teatro de Fernando Fernán Gómez (1978) y una muestra espléndida del proceso que sufre una familia normal durante la Guerra Civil española. La historia muestra la pérdida de las ilusiones, deseos, anhelos que cualquier familia normal puede tener. Pero esa pérdida afecta tanto a padres como a hijos.
Es una demostración impactante del "frenazo en seco" que produce ese hecho denostable que fue la Guerra Civil en la vida de sus personajes, principalmente en Luis, el hijo que desea la bicicleta para el verano. Como Fernando Fernán Gómez, que en la época que retrata tenía la misma edad que él.
La Guerra Civil sirve de marco para que Fernán Gómez se centre en el devenir de los días de una familia de clase media, con trabajo, ideas republicanas - las de don Luis, al menos - , con dos hijos, Manolita y Luis. La obra se centra en esa pérdida del control de su vida durante la guerra. Sin embargo, la Guerra Civil juega un papel secundario. La vida de la gente corriente en un proceso histórico - lo que Unamuno llamará la "intrahistoria"- es lo que vemos. La intención de mantener la "normalidad" del día a día de doña Dolores, de toda la familia, nos enternece.
Y está tan magistralmente contado que poco a poco vamos sintiendo una desazón tan profunda como los personajes. De la alegría inicial, fresca, pasamos a la preocupación, cuando estalla la guerra. Luego, a la indignación por el golpe de estado. Y, más adelante, al miedo cuando se sienten los primeros bombardeos, cuando se siente la guerra tan cerca de ellos, de nosotros. Para continuar con la perplejidad que nos suscita la boda necesaria de Manolita, el divorcio de doña Marcela, el lugar de Basilio y María, la narración de una vida mejor en Valencia, que cuenta Anselmo... Y, por último, la tristeza que trae la resignación de verse pobre, hambriento, sin nada más que la vida. El conformismo con ser los vencidos, sin intención de participar en el conflicto, y pagar por ello. Pero el epílogo de la obra, además de todo esto, nos deja la incertidumbre amarga del porvenir que les espera a los personajes.
Don Luis, con sus ideas revolucionarias, que piensa que la República ayudará a realizar, se enfrenta con situaciones, como la de María, ante las que tiene que contradecirse a sí mismo. Ya nos plantea, casi desde el principio, que su idea de escritor, de ser Máximo Gorki, pasó a ser un sueño. Por si fuera poco, sus sueños de madurez también se diluirán, como los de su juventud. Por otra parte, parece intuir que desaparecerá de la escena de su familia. Bien porque le lleven a un campo de concentración, bien porque no sobreviva. Entonces es cuando cede el testigo de cabeza de familia a su hijo Luis.
Doña Dolores, su mujer, nos sorprende en su delicadeza con sus hijos y marido, su sensatez y su lógica en que acabe la contienda y llegue la paz. La ansiada paz que hasta a ella le deja vacía.
Manolita, el personaje que quería ser actriz, compartir el amor con su pareja, de la que se queda embarazada, y al que pierde en la contienda. Pasa a ser "viuda" de un hijo nonato y acaba siendo madre que entiende que debe casarse con Julio para, al menos, dar una estabilidad a su hijo. Y, para colmo, hasta al pobre Julito lo mata un obús. En definitiva, se encuentra como madre soltera (y dos veces viuda) en el inicio de la posguerra. Una situación dantesca para la época.
Y Luisito, el personaje que evoluciona sin querer hacerlo. El que es obligado a dejar su inocencia, su diversión, su amor, sus versos, a Charito...su bicicleta. Porque la bicicleta tiene esa simbología de "ser para el verano", de ser para el asueto, el gusto de no hacer nada, el placer de las tardes calurosas que se pasan con los amigos...con el primer amor. Y, de pronto, en tres años, todo esto cambia y se convierte en un medio de subsistencia, si la hubiera tenido, claro. La necesidad de ser chico de los recados (sin bicicleta). De ser el hombre de la casa, como le anuncia su padre, don Luis, porque alguien tiene que llevar dinero a casa "del que vale, no de esas estampitas". Para apagar el hambre atroz que han sufrido durante la guerra y que vemos reflejado en la escena de las lentejas - otro símbolo de resistencia del Madrid republicano.
La bicicleta es la pérdida del verano y todo lo que va relacionado con él. De ahí la frase lapidaria que cierra la obra y que pronuncia don Luis: "Sabe Dios cuándo habrá otro verano". Sabe Dios cuándo se podrá volver a pensar en disfrutar del verano, en no hacer nada, en recuperar la inocencia, el amor, el placer, tras una Guerra Civil que acabó con todo.
La película de Jaime Chávarri es estupenda también. Y aunque cambia algunas cosillas respecto al texto escrito, nos ayuda a comprenderlo mejor. Recordad que habrá que relacionar determinadas escenas de ambas. En este enlace os dejo la relación de la obra y la película: Bicicletas relación con cine
San Manuel Bueno, mártir (1933) es una novela corta y para muchos la mejor escrita por Miguel de Unamuno. Aquí tenéis el enlace con Wikipedia. En ella reflejará a un sacerdote, don Manuel, que pierde la fe, basándose en un caso que él mismo conoció tiempo atrás. Esta situación se une a las preocupaciones personales de Unamuno sobre la religión y la fe. En un artículo publicado poco antes que la novela, se pregunta para qué luchar en la política española, ¿para qué todo? Cita textualmente:
"Y para aquietar esa voz o quien me la da, seguía perorando a los creyentes en el progreso y en la civilidad y en la justicia, y para convencerme a mí mismo de sus excelencias".
Es decir, que el propio Unamuno, antes que dejarse arrastrar por la idea de que tras esta vida no hay nada, prefiere seguir animando a sus ciudadanos a seguir luchando por la dignidad, las mejoras sociales, la educación. Asimismo, hará don Manuel. En la novela dice no querer "pensar ocioso", porque eso es pensar demasiado en lo que se hace o no se ha hecho o en lo que se debía hacer. Hay que actuar, no pensar. Porque pensar demasiado lleva a la muerte. Al suicidio, que también reconoce tentarle a don Manuel.
Los personajes que le acompañan, Ángela Carballino - como esa mujer a la que se le remueven "las entrañas matriarcales" cuando sale de la iglesia -, su hermano Lázaro - que vuelve y comulga, como un resucitado al que negará el gallo que canta, como a san Pedro- le acompañan en esa vida de Pasión y sufrimiento que tiene el párroco, un Cristo que muere por su pueblo Valverde de Lucerna, por su prójimo. Su martirio es su vida. De ahí el título.
La abnegación de don Manuel conmueve a cualquiera. Incluso al propio Unamuno, que prefiere que su personaje viva dando consuelo antes que afronte y haga afrontar a sus vecinos una verdad trágica. Le reprochará a Lázaro esas ganas de mostrar la verdad. Prefiere que se sueñen inmortales y critica, con cierta caridad, a las religiones, las cuales, dice, "consuelan de haber tenido que nacer para morir". Recuerdos de La vida es sueño de Calderón, al que se cita en la obra.
En esta página de Ciudad Seva se puede leer completa. Una novelita que no deja de dar vueltas en la cabeza una vez la has leído. Una maravilla que no puedes parar de leer cuando la empiezas. Y de releer.
Esta presentación en Slideshare de la profesora Lola Jiménez es magnífica y resume en once diapositivas la novela.
Haciendo uso de mis nuevos conocimientos de herramientas en la red, os añado aquí una presentación Lazarillo de Tormes con el programa Photopeach. Aunque es maravillosa por su cadencia entre música y movimientos de las fotografías, a veces resulta limitada para algunas cosas.
De todas formas, os incluyo aquí una versión similar a la que ya teníais en la entrada de Nivel I, solo que más dinámica. Espero que la aprovechéis.
Guía de lectura del Lazarillo de Tormes on PhotoPeach
Los alumnos que tenéis que preparar la lectura del primer trimestre, y para ello leer cuatro Leyendas de Gustavo Adolfo Bécquer, os vais a encontrar con una sorpresa: Las Leyendas gustan siempre. Están perfectamente adaptadas a estas noches de difuntos que acabamos de pasar. Y sí, dan miedo...
Algunas son tan acongojantes, porque el miedo parte de la mente de uno mismo, como en "El rayo de luna". Creemos en las cosas que queremos creer o que estamos dispuestos o predispuestos a creer. Ahí no influye nadie, solo nuestra mente; solo nosotros.
En otras, influirá nuestra religiosidad o no, así como la música, que entusiasmaba a Bécquer, y en su reconocimiento expresa su sensibilidad y preferencias. Como en "El Miserere" o "Maese Pérez, el organista". En la primera, la búsqueda obsesiva del verdadero Miserere, el más cercano a la petición de perdón desde el alma, persigue al peregrino y le lleva hasta un mundo de ultratumba, que produce una música ultraterrenal, nunca oída, la más muestra arrepentimiento y que lo perseguirá hasta su muerte. Y, puedo aseguraros que quienes la lean, no dejarán de acordarse de ella todos los Jueves Santos que les queden por vivir...
"Maese Pérez, el organista", que podéis escuchar aquí, está contada de forma muy original. Por un lado aparece una mujer, un personaje testigo (en primera persona) que nos narra en el tiempo real de Maese Pérez, que fue hace siglos. Y luego tomará la palabra el propio Bécquer, que se introduce en la obra para llevarnos de la mano a los lectores. El juego entre el presente de la demandadora y el espacio compartido con Bécquer nos hace ir y venir. Como si formáramos parte de esa Misa del Gallo multitudinaria por las calles de Sevilla y en la iglesia misma. El creer o no en los espíritus ayuda o no a leer esta leyenda. Pero no a dejarla sin terminar...
Por último, "La cruz del diablo", la más terrorífica, la más cruel de todas. Sobre todo en lo que se refiere a la parte real del señor del Segre. Ese tipo de señor feudal, tirano, que atemorizaba a su pueblo. Si pensáis un poco, imaginaréis que, si el la cruz representa el respeto a Cristo y su símbolo, la cruz del diablo representará lo mismo, pero refiriéndose al ángel caído. Fijaos cómo empieza su narración:
"Que
lo creas o no, me importa bien poco."
Disfrutad de las leyendas, historias, cuentos y narraciones de Bécquer. Son parte de nuestra tradición, pues casi todas ellas las toma de narraciones orales sorianas, navarras, sevillanas... Por otro lado, su toque personal, romántico, de profundidad de sentimientos, nos hace vivirlas hasta lo más profundo de nuestro ser.
Y, tened en cuenta, que cerrar las puertas de vuestras habitaciones, no servirá de NADA.
Hemos estudiado en clase que Lope de Vega será el encargado de renovar y transformar la Comedia Nacional. Es decir, el teatro con más éxito del Barroco. Y para comprobar algunos de sus rasgos estamos leyendo Fuente Ovejuna.
Esta obra pertenece al grupo llamado de "Comedias sobre historia o leyendas de España" de Lope de Vega. Y dentro de él, podríamos denominarlo "Drama de Comendador". La figura del comendador tiránico, símbolo del abuso de poder, se representa aquí en Fernán Gómez.Un personaje que se nos hace antipático desde el principio de la lectura de la obra. Es soberbio, despreciativo, lujurioso y opresor.
Lope tiene en cuenta hechos históricos medievales, como es la insurrección real del pueblo de Fuente Ovejuna (Córdoba) en abril de 1476. Esta villa fue entregada a la Orden de Calatrava y estaba al mando del Comendador don Fernán Gómez de Guzmán, que convenció, por su parte, al joven Maestre, don Rodrigo Téllez Girón, para que tomara partido contra los Reyes Católicos y a favor de Juana, la Beltraneja, casada con el rey Alfonso V de Portugal. Así pues, Lope nos sitúa en plena guerra civil entre los Reyes Católicos y Juana, hija ilegítima de Enrique IV de Castilla, preocupados por la sucesión del reino.
Cartel de la película de 1947
Parece ser que el pueblo de Fuente Ovejuna se levantó contra el comendador, sus tiranías y desmanes y lo mataron. Y este hecho lo utilizará Lope de Vega para ensalzar, por una parte, la figura de la monarquía como solución a los problemas del país; y, por otra, la condena de abusos de los malos nobles y traidores a esa realeza. El comendador es traidor con su estamento superior y tirano con los de su estamento inferior. Y eso puede atentar contra el orde de la pirámide estamental medieval y, por eso, esta obra parece una advertencia a los malos regidores.
Por otro lado, nos encontramos con la nobleza del pueblo: Laurencia, Frondoso, el alcalde Esteban y Mengo y "su concilio cardenalicio" por defender a Jacinta. El pueblo resulta un vasallo como el Cid: qué bueno sería, si tuviera buen señor; que no lo tiene.
Magnífico es el parlamento de Laurencia a los hombres del pueblo reunidos en Consejo. Magnífico, por su determinación "feminista", en un momento histórico en que ese concepto no existía. Sin embargo, no hay que olvidar que Lope gusta de defender a la mujer en muchas de sus obras. Es cierto, que fue un gran amante de ellas y, quizá por eso, tiene una sutileza para la femineidad y su defensa inigualable. El respeto hacia la mujer que emana de las comedias de Lope de Vega es muy interesante.
Como muestra os dejo el monólogo de Laurencia de la película "Fuenteovejuna" de 1947.
Por último, en la siguiente presentación de Purificación Jurado Domínguez, veréis la Comedia Nacional barroca, Lope de Vega y Fuente Ovejuna. Espero que os ayude.
Después de ver la película del libro que estamos leyendo, Luces de bohemia, de Ramón Mª del Valle-Inclán, solo nos queda profundizar un poco más en el análisis para que la comprendamos mejor, si cabe.
Esta obra es la primera a la que Valle califica como Esperpento y, de hecho, es en la escena XII donde establece la teoría del nuevo género en boca de su personaje protagonista, Max Estrella:
"El esperpentismo lo ha inventado Goya. España es una deformación grotesca de la civilización europea. [...] El sentido trágico de la vida española solo puede darse con una estética sistemáticamente deformada. [...] Los héroes clásicos han ido a pasearse en el callejón del Gato.[...] Los héroes clásicos, reflejados en los espejos cóncavos, dan el Esperpento. [...] Mi estética actual es transformar con matemática de espejo cóncavo las normas clásicas."
Sin embargo, este Esperpento, que nos resulta tan cercano dada la situación político-económica actual, en el fondo, nos muestra tragedias humanas muy profundas y lamentables. Situaciones que nos desgarran.
La primera publicación de la obra se hará en 1920 y por entregas en el semanario "España". Sin embargo, Valle-Inclán la publicará en libro en 1924 en una edición muy cuidada y con tres escenas añadidas la II, la VI y la XI. Estas dos últimas, las referidas al obrero catalán, que contienen dos de los momentos más intensos de la obra. Luces de bohemia cuenta la última noche de la vida de Max Estrella, personaje inspirado en la vida y muerte del novelista sevillano Alejandro Sawa. Una vida interesante y muy parecida al protagonista de la obra. Leedla en el enlace que os he dejado de Wikipedia.
Esta última noche de Max Estrella se ha calificado como una peregrinación "al fondo de la noche" o un "descenso a los infiernos". Es cierto que en su paseo nocturno con ese deuteragonista - su perro, don Latino de Hispalis - nos enseñan la miseria, el hambre, la injusticia social, el alcoholismo, la prepotencia, la prostitución... En suma, lo más dramático y grotesco de la bohemia española, que probablemente tendría que ver en muchas cosas con la francesa.
El propio Valle dijo de sus personajes que eran "enanos o patizambos que juegan una tragedia." Sin embargo, algunos de ellos y sus situaciones tienen una considerable talla humana y Max muestra hacia ellos misericordia y dolor supremo. Son los casos del obrero catalán y de la madre con el niño muerto. Recordemos que, del primero dirá cuando conoce su asesinato que tiene tanta rabia que mastica ortigas; y, de la segunda, que nunca había oído un grito tan desgarrado.
Valle Inclán. Fuente: Centro Virtual Cervantes
La estructura de la obra está magistralmente pensada por Valle, que alterna escenas trágicas y grotescas para terminar con un ambiente asfixiante en la más grotesca de todas las tragedias que presenta, la de Max Estrella.
Se divide en 15 escenas, no capítulos, que se sintetiza en el esquema realizado por Fernando Lázaro y Vicente Correa:
1. Preludio. Escena I, donde Max en su casa expresa su anhelo de morir.
2. Cuerpo central de la obra o peregrinación de Max por la noche madrileña. Escenas II-XI. Se repartirán en dos etapas iguales y simétricas de cinco escenas cada una, que terminan con un momento trágico y con la presencia del mismo personaje: el obrero catalán (escenas VI y XI). Ambas escenas las añadió en la segunda versión de la obra.
3. Final de su peregrinación y muerte. Escena XII. Muere a las puertas de su casa. Paralelismo con la escena I, donde deseaba morir. Escena donde expone la teoría del esperpento.
4. Epílogo. Escenas XIII-XV. Suicidio anunciado al principio de la obra por su mujer.
I
II
III
IV
V
VI
VII
VIII
IX
X
XI
XII
XIII
XIV
XV
Muchos de los personajes son fantoches miserables y canallas, como don Latino en las últimas escenas, cuando abandona a Max Estrella muerto en el portal de su casa y le quita la cartera; o como cuando, a sabiendas de la situación de pobreza de la viuda e hija de Max, decide cobrar el décimo premiado sin donárselo a ellas.
Una obra magnífica, que no fue representada por primera vez hasta 1963 en París, y que en España tuvo que esperar hasta la temporada de 1969-1970. La acidez, el sarcasmo y la plenitud de las miserias y pasiones viscerales del alma humana se reflejan en esta Luces de bohemia que no está tan lejana de este año 2012. Muchas cosas no han cambiado.
Puede que Valle-Inclán fuera visionario. Desde mi punto de vista, siempre creeré que era un genio maravillosamente inteligente, que conocía perfectamente las miserias humanas. Creó una palabra y un género teatral, el Esperpento, que nos es muy cercano. Basta mirar a nuestro alrededor, leer un periódico, escuchar las noticias o vivir nuestro día a día para ver que estamos rodeados de "esperpentos" y de situaciones esperpénticas.
Y por esto y por otras muchas cosas, que os contaré en otra ocasión, Ramón Mª del Valle-Inclán es mi escritor preferido. Con él disfruto muchísimo. Te invito a que tú también lo hagas y te rías hasta de tu sombra.
Fuente para generar parte de esta entrada: Literatura Siglo XX de Fernando Lázaro y Vicente Tusón para Anaya.
Estatua de "La Regenta" frente a la catedral, ambas en Oviedo. Fuente: Wikipedia Commons
La lectura de La Regenta de Leopoldo Alas, "Clarín", confirma una nueva forma de escribir novela en el siglo XIX. El Realismo, que ya llevaba un tiempo desarrollándose en Europa, tomará forma y se concretará en la narrativa española de Galdós y de "Clarín".
Sin embargo, y a pesar de lo gran novelista que es Galdós, como creador y como productor de obras, La Regenta es, desde mi punto de vista, la mejor novela realista del siglo. No solo está conseguido ese ambiente asfixiante de Vetusta-Oviedo aburrido, previsible, normativizado socialmente, casposo, al fin y al cabo, sino el espíritu femenino de Ana Ozores, la protagonista.
Es magnífica la contraposición que hace Leopoldo Alas de una sociedad provinciana y pervertidora, ansiosa de carnaza para seguir retroalimentándose, y el alma confusa, dudosa, ingenua y desoladoramente aislada de la protagonista.
La historia que cuenta no se limita al adulterio de Ana Ozores, sino al adulterio forzado, a la exigencia de la hipocresía burguesa, anticuada y sin ganas de cambiar, que viven del chismorreo - cual vieja-el-visillo actual- pero que intentan disimular educadamente sus formas y actitudes, siempre ocultas en unas reglas sociales dominadas por la Iglesia y sus ministros.
Es una maravilla el dominio de la prosa que tiene Leopoldo Alas. La ironía domina la obra con una finura, a veces delicada, a veces cercana al más cruel sarcasmo. Pero muy divertida siempre. Da gusto leer y releer algunos pasajes.
Su publicación, allá por 1885, fue un auténtico escándalo, sobre todo en Oviedo, ciudad que salía mal parada, así como su estamento clerical. Para más información sobre la obra os dejo este enlace de Wikipedia, que está muy trabajado y documentado.
A continuación os incluyo algunos fragmentos que me resultan muy significativos y que son una delicia leer.
Pero no importaba: ella se moría de hastío. Tenía veintisiete años, la juventud huía; veintisiete años de mujer eran la puerta de la vejez, a que ya estaba llamando. Y no había gozado una sola vez esas delicias del amor de que hablan todos, que son el asunto de comedias, novelas y hasta de la historia. El amor es lo único que vale la pena vivir, había ella oído y leído muchas veces. Pero ¿qué amor? ¿Dónde estaba ese amor? Ella no lo conocía.
Anita no tenía amigas. Además, don Carlos la trataba como si fuese ella el arte, como si no tuviera sexo. Era aquélla una educación neutra. A pesar de que Ozores pedía a grito pelado la emancipación de la mujer y aplaudía cada vez que en París una dama le quemaba la cara con vitriolo a su amante, en el fondo de su conciencia tenía a la hembra por un ser inferior, como un buen animal doméstico. No se paraba a pensar lo que podía necesitar Anita.
Vetusta la noble estaba escandalizada, horrorizada. Unos a otros, con cara de hipócrita compunción, se ocultaban los buenos vetustenses el íntimo placer que les causaba aquel gran escándalo que era como una novela, algo que interrumpía la monotonía eterna de la ciudad triste. Pero ostensiblemente pocos se alegraban de lo ocurrido. ¡Era un escándalo! ¡Un adulterio descubierto! ¡Un duelo! ¡Un marido, un ex regente de Audiencia muerto de un pistoletazo en la vejiga!
Fuente: RTVE
La Regenta audiovisual cuenta variados ejemplos. Aquí os dejo el enlace para ver los tres capítulos grabados por TVE en 1995 y protagonizados por Aitana Sánchez-Gijón, Carmelo Gómez y Juan Luis Galiardo. Los restantes actores son todos muy conocidos y talentosos.
Aunque, como siempre la información más completa la encontramos en la página de Cervantes Virtual. En este enlace, Biblioteca de Autor, tenéis acceso a la biografía de Clarín, su obra, fonoteca (para escuchar fragmentos de sus obras), imágenes diversas o enlaces de interés.
Por último, aquí tenéis una presentación e Slideshare de Elena Pascual Ferrero.
Una de las mejores páginas que hay sobre Larra es ésta de la Biblioteca Virtual Miguel de Cervantes. Está muy completa - incluye lectura de los artículos en la fonoteca - y se inicia con una cita suya:
"Escribir en Madrid es llorar; es buscar voz sin encontrarla, como en una pesadilla abrumadora y violenta."
Estas palabras muestran claramente la amargura espiritual del que se considera el primer periodista español. Larra fue tan adelantado a su tiempo que sufrió por la situación en la que se encontraba España y los españoles a principios del siglo XIX.
Su vida fue convulsa, pero también llena de pasión. Y fue una pena que terminara tan pronto, ya que era una de las mentes privilegiadas de la época. Luchó toda su vida por una sociedad más justa, instruida y crítica. No dejéis vosotros de luchar por lo mismo.
A continuación, tenéis El Madrid de Larra en un vídeo del periódico El Mundo en la conmemoración de su bicentenario en 2009.
Ambos cursos estáis leyendo La Celestina de Fernando de Rojas. Se conoce muy poco de su vida. Sabemos que nació en la Puebla de Montalbán (Toledo) entre 1470 y 1476 y murió en Talavera de la Reina en 1541. Era judío converso, lo que quiere decir que pertenecía al grupo de judíos que se convirtieron al cristianismo para no ser expulsados de España por los Reyes Católicos. La Celestina es su única obra y su género es difícil de asignar. Muchos dicen que se trata de teatro, la obra más importante del siglo XV en toda Europa. Sin embargo, su extensión la hace difícilmente representable en su totalidad. Si bien sí se ha puesto en escena con mucho acierto y bastante trabajo.
Para otros se trata de novela dialogada, la primera novela realista española.
La obra plantea tres temas fundamentales: el amor, la fortuna y la muerte. Los tres son propios de la Edad Media, pero anuncian el Renacimiento. Los personajes tienen una visión pagana del mundo; para ellos no existe el pecado, en sentido cristiano, son víctimas del destino. Ninguno siente remordimientos morales.
Todo es una lucha cruel de intereses, lo cual hace a los personajes humanos y creíbles. A unos los mueve el deseo amoroso, a otros el afán del dinero.
Esta mezcla de estratos sociales también se reflejan en el lenguaje. El autor combina con maestría el lenguaje culto con el popular y se impone como dominadora de ambos la Celestina.
Celestina es un personaje inmenso. Por sí sola consiguió cambiar el título de Tragicomedia de Calisto y Melibea al que lleva su nombre. Una mujer así no deja indiferente a nadie.
En el siguiente enlace del Ministerio de Educación y Ciencia tenéis teoría y práctica de actividades sobre la obra para quien le interese.
A continuación tenéis la escena de la película que hay en Youtube de la muerte de Celestina. La interpretación de los dos protagonistas, Calisto y Melibea, deja mucho que desear. No así la de Celestina-Terele Pávez y los criados Pármeno y Sempronio.
Por último, tenéis una presentación de Isabel Fernández sobre la obra para aclarar dudas. Espero que os sean útiles.
La lectura de Bajarse al moro de José Luis Alonso de Santos es fácil y no os causará gran complicación porque usa una jerga juvenil sencilla de interpretar.
No obstante, recordad que el libro es diferente que la película que hemos visto esta semana y que, por lo tanto, os puede confundir al hacer el examen.
Se trata de una obra que muestra la tan deseada entrada en la transición española, en plenos años 80, y el hartazgo de libertad que supuso.
Pero es mucho más que todo eso. A la vez, nos hace pensar sobre qué deparará el futuro a esos personajes tan cercanos a la marginalidad y cómo algunos llegan a desaparecer en la búsqueda de una utopía que, como tal utopíua, no existe. A veces, percibimos que tampoco tienen claro qué buscar. pero el tiempo pasa, también para ellos. "Pasa la vida" canta Pata Negra en la película. Y tras ese paso, ¿qué nos queda? ¿En qué nos queremos convertir? ¿Cómo y cuándo elegir nuestro futuro?
La facilidad, en un principio, de lectura de la obra no es tal. La reflexión que nos propone Alonso de Santos es más filosófica de lo que parece. Cuando buscamos nuestro sitio en el mundo, elegimos un camino para abandonar el otro. Aunque siempre nos lamentamos de haber elegido ese uno. Añoramos el otro. El que no tenemos.
Sin embargo, aunque quede ese poso serio y melancólico de fondo al terminar de leerla, es muy divertida, así como la película. Inteligentes Alonso de Santos y Fernando Colomo - el director de la película -; con la risa, nos hacen pensar, nos hacen reflexionar, nos hacen sentir...
En su desarrollo, podemos reconocer distintos temas: la búsqueda de nuestro sitio en el mundo; el inconformismo o rebeldía de una juventud con ansias de libertad; la hipocresía social de los padres de Alberto; la amistad o seudoamistad de los personajes; la solidaridad; el amor en todas sus versiones de libertad y dependencia; la droga y el mundo que la rodea; la religión; los estereotipos sociales...
Os dejo también un artículo publicado en el periódico "Ideal" de Granada, cuando se volvió a representar en 2007. En él, Alonso de Santos da claves para interpretar la obra.
Que la disfrutéis.
Para preparar el examen de lectura del próximo viernes, tenéis una presentación sobre El Quijote y la Literatura barroca en este mismo blog, en la etiqueta del índice de la derecha "Literatura barroca".
En la entrada, encontraréis explicaciones sobre Cervantes y la obra, que veremos más minuciosamente en clase, pero que os puede ayudar en su lectura.
Ya veréis como es de lo más divertida.
Como lo prometido es deuda, aquí tenéis la presentación que vimos en clase sobre el Lazarillo para que os ayude en su lectura. La edición que os he recomendado es bastante sencilla y la obra es muy divertida.
¡Hay que perder el miedo a los clásicos!
Muchísimas veces no hay nada mejor. Muchas otras veces no se ha inventado nada nuevo.Siempre nos enseñan algo de hace mucho tiempo que, sorprendentemente, nos sirve ahora.
Espero que os guste y os ayude a comprender mejor a Lázaro y todo lo que le rodea.
¡¡Y SÍ!! ¡¡VEREMOS LA PELÍCULA EN EL AULA DE IDIOMAS EN CUANTO SEA POSIBLE !!
For me, it's very difficult to choose a book that has impressed me, because many of them have got this effect on me, so I've decided to talk about the books I'm reading now.
